En tant que photographe de nature, mon objectif principal est d’aider ceux qui regardent mon travail à apprécier la valeur de la nature sauvage pure et intacte. Il est essentiel de créer des images captivantes qui saisissent et retiennent l’attention du spectateur. Plus vous pouvez faire en sorte que quelqu’un regarde une photo longtemps, plus il y a de chances qu’il se connecte à son sujet. Dans ce monde trépidant où les gens peuvent consommer des centaines d’images et de vidéos en quelques minutes, pourquoi devraient-ils arrêter de faire défiler votre image? Bien que la réponse soit multiple, la pratique de ce que j’appelle “l’art du mystère” à travers la photographie de nature abstraite peut être très efficace pour créer des images plus engageantes.
Cette scène laisse de côté des objets familiers, alors quand beaucoup de gens la regardent, ils croient que c’est une photo aérienne prise de haut au-dessus du paysage. Ces flaques d’eau réfléchissant la lumière peuvent sembler être de plus grandes branches de rivières. Quelle que soit la façon dont il est interprété, il est impossible de déterminer sa taille réelle.
Bien sûr, vous pouvez essayer d’attirer l’attention des gens d’une autre manière. Augmenter le volume en activant la saturation, changer radicalement les couleurs et les formes des objets ou créer des composites bizarres peut donner des images qui crient “ » Regardez-moi! »Mais après un certain temps, vous constaterez que le seul endroit où aller avec le volume est de redescendre. Si tout le monde crie à la fois, personne ne peut être entendu. Combien mieux capturer et retenir le regard d’un spectateur à travers de subtils chuchotements et de faibles indices, créant un mystère à percer.
Techniques De Photographie De Nature Abstraite
S’Écarter Du Littéral
L’une des façons dont je crée du mystère pour attirer les gens est de photographier des scènes moins littérales, où l’identité du sujet n’est pas facilement reconnaissable au premier coup d’œil. Une composition qui nécessite un examen plus approfondi soulèvera des questions, engagera l’imagination du spectateur et intriguera sa curiosité. Si je peux amener quelqu’un à demander: “Qu’est-ce que je regarde?” Je sais que j’ai toute leur attention.
Quand je dis que dans une photographie mystérieuse et abstraite de la nature, l’identité du sujet n’est pas immédiatement évidente, je ne veux pas dire qu’il n’a pas de sujet clair. Ce que je veux dire, c’est qu’au lieu que le sujet soit simplement un objet littéral (par exemple, un arbre, un rocher, une cascade ou une montagne), il s’agit davantage d’un élément visuel ou d’une idée, comme un dessin, un motif, une couleur, une forme, une forme ou une texture.
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Quel que soit le sujet, littéral ou figuratif, il doit toujours être bien défini et l’œil du spectateur doit y être conduit à travers le flux visuel de la scène. Peu importe à quel point une scène est abstraite, si elle n’a pas de sujet, ce n’est pas une photographie réussie. Une image sans sujet ne parle finalement de rien et n’a pas d’histoire à raconter.
Sans montrer où commence ou se termine cette parcelle de glaçons, l’image donne l’impression qu’ils continuent à l’infini. Il est également impossible de connaître leur échelle car il n’y a rien de familier pour les comparer.
Tension et Intention
Pour créer des images abstraites qui suscitent la réflexion, il doit y avoir une certaine tension, qui vient de la rétention d’informations. Si vous donnez immédiatement tout, sans plus rien à découvrir, les gens ne ressentiront aucune envie de continuer à chercher. Cependant, si vous ne fournissez que des indices subtils, nous ne pouvons nous empêcher d’essayer de résoudre l’énigme. Par nature, les êtres humains aiment comprendre les choses. Nos esprits sont construits pour cela, et nous ne supportons pas de ne pas connaître la fin d’une histoire, en particulier une histoire qui nous tient à cœur. J’adore lire des livres sur la psychologie, afin de mieux comprendre l’esprit de mon public, son fonctionnement et ce qui le motive. En tant qu’artistes, nous pouvons jouer sur ces instincts et tendances humains pour créer un travail à la fois visuellement agréable et engageant.
À ma façon de penser, une grande image est une image qui se situe entre deux extrêmes: être trop ennuyeuse évidente pour s’en soucier ou trop confuse vague pour comprendre. Cela devrait créer des tensions mais aussi offrir un certain soulagement. Cela attire les téléspectateurs et les maintient engagés pendant que vous continuez à poser des miettes de pain qui mènent à la destination souhaitée. Laissez-les errer mais ne vous perdez pas. Il est facile de créer une image désorientante et déroutante en appuyant au hasard sur l’obturateur tout en ne pointant dans aucune direction spécifique, mais le résultat est absurde car le placement des éléments n’a aucune intention réelle. Créer une image abstraite avec tension et mystère et qui pose des questions-tout en ayant un sens déchiffrable—demande de la délibération.
Je ris toujours quand les photographes sont obsédés par le matériel et attribuent la qualité esthétique d’une image au matériel avec lequel elle a été fabriquée. C’est aussi absurde que de dire que ce qui rend un roman bon, c’est l’ordinateur sur lequel il a été tapé. De même, le lieu, le sujet, l’éclairage ou les conditions météorologiques ne font pas à eux seuls une excellente photographie. Ce ne sont que des éléments bruts qui n’ont aucune signification supplémentaire à eux seuls. Les images réussies se résument à la manière dont le photographe organise intentionnellement ces éléments, avec un œil d’artiste pour ce qu’il faut laisser dans le cadre et ce qu’il faut laisser de côté. Ce processus conscient est la façon dont l’artiste donne aux objets d’une scène un sens supplémentaire.
En créant une compression et en cachant où les arbres commencent et se terminent, je les fais apparaître comme empilés étroitement ensemble, et il est difficile de dire lesquels sont devant ou derrière l’un l’autre. La scène devient plus un motif de lignes que des arbres littéraux et donne l’impression que la forêt était beaucoup plus encombrée qu’elle ne l’était.
Moins C’Est Plus
Encore plus important que ce que vous incluez, je dirais, est ce que vous choisissez d’exclure. Vous pouvez exclure quelque chose de votre composition pour plusieurs bonnes raisons: cela nuit à la scène, cela va à l’encontre du thème, c’est accablant, c’est inintéressant, ce n’est pas agréable visuellement, cela déséquilibre l’équilibre ou c’est redondant. Mais si vous espérez créer un sentiment de mystère dans votre image et créer une tension pour le spectateur, vous devez aller encore plus loin.
L’un des moyens les plus simples de cacher des informations importantes sur un sujet et de créer du mystère est de pratiquer l’exclusion. Lorsque vous incluez tout, cela peut donner une jolie scène, mais vous donnez tout; très peu de questions restent. D’un autre côté, lorsque vous excluez intentionnellement un contexte tel que la source de lumière ou des objets qui peuvent révéler l’échelle, le réglage, la luminosité ou l’identité de votre sujet, vous créez une scène pour que l’imagination du spectateur se déchaîne. Au lieu de dire au spectateur de quoi il s’agit, vous laissez cela ouvert à leur interprétation.
Cacher La Source De Lumière
Lorsque je fais défiler les médias sociaux, je ne peux m’empêcher de remarquer que la plupart des images incluent le ciel. Il n’y a rien de mal intrinsèquement à cela. Dans beaucoup de mes images, je montre aussi le ciel, mais cela crée parfois une limitation artistique qui, je pense, est rarement prise en compte. Lorsque vous incluez le ciel dans votre scène, non seulement cela le rend inévitablement plus littéral, mais cela limite également la façon dont vous pouvez développer l’image en post-traitement. Le ciel sera presque toujours la partie la plus brillante de votre scène, surtout lorsqu’il n’y a pas de lumière directe sur le paysage. C’est parce que la source de toute la lumière naturelle vient du ciel.
En montrant la source de lumière, vous donnez une référence sur la façon dont la lumière devrait être—doit être—dans le reste du paysage, car la lumière qui frappe ailleurs ne peut pas être plus brillante que d’où elle vient. Cela inhibe votre capacité à augmenter la luminosité de votre sujet autant que vous en avez besoin pour vraiment l’aider à se démarquer. Si vous ne faites pas attention, à un certain moment, votre sujet cessera d’avoir l’air réaliste et créera plutôt une distraction pour le spectateur. Ils se fixeront sur des pensées comme: « Pourquoi est-ce si anormalement brillant? »au lieu de la scène elle-même.
J’ai photographié cette scène presque une heure après le coucher du soleil. Il n’y avait qu’une faible lumière ambiante éclairant doucement le paysage, et le manque de lumière directe a lavé sa couleur, la faisant paraître plus blanche. Comme j’ai exclu la source de lumière, j’ai pu la surexposer et augmenter considérablement la luminosité en post-traitement pour faire ressortir les reflets et les ombres doux et lui donner cette sensation sereine, éthérée et pure.
Si vous excluez votre source de lumière, vous ne donnez aucune référence au spectateur quant à la façon dont la lumière était réellement dans la scène. Cela vous permet d’augmenter la luminosité autant que vous le souhaitez sans laisser aucune indication quant à combien vous vous êtes éloigné de la réalité. Ainsi, cacher la source de lumière peut créer une confusion agréable pour le spectateur et compléter l’abstraction d’une scène en rendant les objets plus éclairés qu’ils ne le seraient en réalité. Un exemple de ceci est de filmer des scènes dans le doux crépuscule et d’augmenter leur luminosité lorsqu’elles sont en fait très sombres. Cela peut contribuer à un aspect éthéré, onirique et mystérieux dans une scène.
Omettre le Contexte
Lorsque nous montrons ce qui entoure notre sujet (lieu, saison, heure de la journée, etc.), nous fournissons le contexte. Parfois, cela profite à une image en ajoutant à l’ambiance ou à l’histoire. Une photographie qui représente clairement la saison d’automne en incluant des feuilles colorées peut la rendre plus paisible et invitante. Une scène qui montre la neige environnante et les arbres nus peut la rendre calme et froide. Mais parfois, fournir un contexte à certains sujets en montrant leur environnement les rend trop ordinaires, par exemple une flaque d’eau gelée. Cela peut amener le spectateur à se fixer sur l’objet littéral tout en négligeant les éléments artistiques tels que le motif, la forme et la forme. Cela vous fait simplement voir une flaque d’eau gelée le long du sentier plutôt qu’un affichage complexe de lignes répétitives créées par ses fissures et ses ondulations.
Lorsque vous essayez de créer des images qui dépeignent la nature sauvage et vierge, donner un contexte peut également être préjudiciable à une photographie. Disons que vous trouvez un joli peuplement d’arbres le long de l’autoroute. Si vous incluez l’autoroute, les voitures qui passent et le garde-corps au premier plan, votre image prendra un tout autre aspect que si vous excluiez complètement ces objets fabriqués par l’homme.
J’ai photographié ce magnifique peuplement de trembles enneigés juste au bord de la route. Je me tenais derrière un garde-corps, tirant à distance, mais vous ne le sauriez pas de la façon dont j’ai isolé les arbres sans révéler leur emplacement.
Il n’y a aucun moyen pour le spectateur de voir ce que vous ne montrez pas. Profitez-en et ne montrez que ce que vous voulez qu’ils voient. Vous pouvez créer une scène et une histoire complètement nouvelles de cette façon et donner le sentiment d’une nature sauvage éloignée même lorsque vous photographiez dans votre propre cour de banlieue. Sans contexte, les gens sont obligés de poser des questions, ajoutant encore au mystère de la scène.
Suppression de l’Échelle
L’échelle est un autre élément visuel très puissant qui devrait être créé intentionnellement. Parfois, révéler l’échelle de quelque chose peut être très frappant visuellement, montrant son insignifiance par rapport à un vaste paysage, par exemple, ou montrant comment il domine le paysage en éclipsant tout ce qui l’entoure.
Cependant, l’effet qui peut être créé en éliminant complètement l’échelle de votre sujet est également quelque chose qui doit également être pris en compte lors de la création de compositions. En enlevant l’échelle, une petite formation de glace peut sembler énorme, ou une cascade qui coule peut ressembler à une cascade. Et la suppression de l’échelle ne s’applique pas seulement à faire paraître les petits objets plus grands. Il peut également être appliqué à de grands paysages, en particulier des scènes aériennes, ce qui les rend miniatures.
Alors que beaucoup de gens considèrent cette image comme une petite scène intime—ressemblant à une agate—c’était en fait une très grande scène, photographiée depuis les airs à environ 1 000 pieds d’altitude. En excluant l’horizon et tout objet reconnaissable, j’ai rendu presque impossible la détermination de l’échelle réelle.
Supprimer l’échelle de la scène en masquant toutes les références est l’un des meilleurs moyens de créer une image abstraite pleine de mystère, qui joue avec l’imagination du spectateur. Cela les amènera à s’asseoir et à se demander “ » Quelle est la taille de cette scène?” C’est aussi un excellent moyen d’éviter de trahir votre présence en tant que photographe. Quand les gens regardent mes images, je ne veux pas qu’ils les considèrent comme des photographies dans le sens de savoir où je me tenais, quel objectif j’ai utilisé ou à quelle distance j’ai zoomé. Une prise de conscience du photographe crée un sentiment de séparation entre la scène et le spectateur. Au lieu de cela, je veux qu’ils soient complètement immergés dans la scène elle-même, comme s’ils regardaient à travers une fenêtre dans un nouveau monde.
Les meilleurs films sont ceux où, pendant un moment, vous oubliez que vous regardez un film, et votre corps et vos émotions réagissent comme si vous viviez l’expérience vous-même. Si vous devenez trop conscient que vous ne faites que regarder un film, vous êtes immédiatement retiré de l’histoire et cela cesse de vous affecter.
Illusion D’Optique
Ce que j’aime le plus dans la photographie de scènes abstraites, c’est la capacité de s’éloigner de la réalité et de créer des mondes entièrement nouveaux qui n’existent pas dans la réalité. Ne pas montrer délibérément où les choses commencent et se terminent est un moyen simple de composer des images surréalistes, même à partir de paysages ordinaires. En ne révélant pas les bords de votre sujet, vous pouvez créer l’illusion que les motifs, les couches et les dessins se poursuivent pour toujours, ce qui les rend beaucoup plus grandioses qu’ils ne le sont en réalité. Un tapis de feuilles qui semble sans fin, comme s’il pouvait couvrir le monde entier, est beaucoup plus puissant qu’une simple petite parcelle de feuilles le long du bord de la route.
Comme vous ne pouvez pas voir où commence ou se termine cette flaque de feuilles d’érable flottantes, car elle chevauche les bords du cadre, elle semble durer éternellement. On ne peut maintenant que deviner sa taille réelle puisque j’ai omis cette information.
Vous pouvez également créer un effet désorientant qui soulève des questions en reculant et en zoomant pour créer une compression ainsi qu’un cadrage plus serré. Cela amène tout dans la scène au même plan visuel tout en cachant en même temps où les objets commencent ou se terminent. Cela désoriente les spectateurs, car il est difficile de dire si les objets sont au premier plan, au milieu ou en arrière-plan, et par conséquent, les oblige à essayer de le comprendre. Cela peut aussi créer l’illusion qu’il n’y a pas d’espace entre eux. Un exemple de ceci serait de tirer sur un groupe d’arbres et d’exclure la base de leurs troncs et le sommet de leurs couronnes.
Variété Dans Un Portfolio
Bien que je sois évidemment un grand fan de scènes abstraites mystérieuses, je pense que les scènes un peu littérales ont également leur place dans le portfolio de chaque photographe de nature. Il est important d’avoir de la variété dans une galerie ou un groupe d’images, certaines créant des tensions et d’autres apportant un soulagement. Trop de la même chose, encore et encore, fatigue visuellement les téléspectateurs et leur fait perdre tout intérêt. Pour les photographes de nature, il est formidable de montrer un large éventail de sujets qui expriment l’incroyable diversité de notre planète.
Il est à noter qu’aucune des techniques ci-dessus ne s’applique exclusivement aux scènes abstraites. Dans une moindre mesure, ils peuvent être utilisés dans chaque image que vous créez afin de créer du mystère et de soulever des questions. Le degré auquel vous les pratiquez devrait toujours se résumer à ce que vous voulez montrer et à l’histoire que vous voulez raconter. Laissez l’éclairage, le sujet et l’ambiance de la scène dicter la direction que vous prenez.
Acquérir une compréhension approfondie des principes et des techniques que j’ai partagés avec vous vous aidera à vous guider dans la création de vos compositions. Vous vous retrouverez également moins limité par votre environnement et les conditions météorologiques et plus capable d’organiser des photographies convaincantes, peu importe où vous allez ou à l’heure de la journée. Quel que soit le type de photographe que vous vous considérez, je crois qu’avec une compréhension technique décente et suffisamment de créativité, vous pouvez rendre même des objets ordinaires extraordinaires. La seule limite est votre imagination.
En tant que photographe travaillant pour inspirer une attitude de conservation dans un monde qui valorise de moins en moins les lieux naturels chaque jour, je crée intentionnellement des images pour montrer aux autres que la nature sauvage a beaucoup plus à nous offrir dans son état intact que tout ce que nous pourrions en extraire matériellement. Je pense qu’il est important que je fasse des photographies uniques, révélant un aspect de la nature que les gens n’ont jamais vu auparavant—pour montrer le monde tel qu’il regarde à travers mes yeux. Lorsque je partage une image, mon seul espoir est que les gens ressentent la grandeur de la nature, apprécient sa beauté incomparable et se laissent emporter par son mystère.
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Text & Photography By Eric Bennett –>